martes, 3 de mayo de 2016

YELLOWJACKETS, LA MAGIA CONTINÚA...


La noticia de un nuevo disco de los Yellowjackets siempre es una buena noticia.
La banda fundada por el tecladista Russell Ferrante a finales de los años 70 presenta su trabajo discográfico número 23, tras casi 40 años de trayectoria.

Muchos cambios ha experimentado la formación desde su puesta en marcha, siendo la formación "clásica" la compuesta por Ferrante al piano y los teclados, Jimmy Haslip al bajo eléctrico, Bob Mintzer al saxofón, clarinete y EWI y William Kennedy a la batería.

Tras la marcha del bajista y compositor Jimmy Haslip la banda perdió uno de sus puntales, sin embargo siguieron adelante, primero con la inclusión de Felix Pastorius -si, el hijo de La Leyenda- y ahora con la llegada de un jovencito proveniente de Australia, Dane Alderson.

El disco suena impecable, con un alto nivel de interacción entre los cuatro miembros de la banda. A destacar los temas Golden State, Trane Changing, Inevitable Outcome y Cohearance, que le da título al álbum.

Espero que lo disfruten tanto como yo.








viernes, 8 de abril de 2016

LOS NIÑOS QUE ESCRIBEN EN EL CIELO


En el programa de hoy escucharemos los 20 temas que conforman la serie titulada "Children's Songs" compuesta por el pianista norteamericano Chick Corea a lo largo de la década de los años 70 del pasado siglo. Posteriormente recopiladas en un volumen editado por el sello ECM en 1984, estas miniaturas nos muestran el lado más íntimo y contenido del pianista, quien tiene cierta tendencia a ser verborreico; ello por supuesto sin menoscabar su extraordinario aporte a la historia del jazz.


completamos la escucha con los temas de un oscuro disco que Chick grabó también a piano solo en el Instituto Delphi de Oregon, sede de la iglesia de la Cienciología de la que el pianista es adepto.





jueves, 7 de abril de 2016

IN MEMORIAM...


Qué terrible ha sido este inicio de año, lamentando la pérdida de amigos entrañables.

Hoy quiero dedicar la emisión de esta noche al maestro Gabriel Martínez García, con quien tuve la fortuna de coincidir cuando formó parte del grupo de la cantante Ana Díaz, junto a su hermano el pianista Óscar Rafael, quien era entonces director musical de la banda.

Eramos un cuarteto que tocaba aquí y allá; nos divertimos mucho en esa etapa y aprendimos también. La generosidad de Gabriel nos permitía ensayar en su casa y montar el repertorio.

Esta noche quiero recordarlo con su permanente sonrisa y buen sentido del humor

También lo recordaré con una grabación de un concierto que dimos en Puebla en algún momento del 2006.

Vaya para su familia mis más sinceras condolencias.





jueves, 24 de marzo de 2016

SÓLO SE TRATA DE VIVIR...


Después de haber llorado la muerte de mi querido José Luis Domínguez creí oportuno volver a la canción, para ser abrazado por su cálida presencia. Y cuando se trata de emociones pocos tan dotados como el argentino Juan Carlo Baglietto para contar historias y ayudarnos a vivir. Por lo tanto hice una selección con algunas de sus canciones más encendidas y aquí se las presento. Espero que las disfruten tanto como yo.

Un abrazo para todos.





jueves, 17 de marzo de 2016

VIVA EL DON


En el principio fue el Blues... El resto es historia de ida y vuelta, entrecruzamientos, vasos comunicantes.

En el principio fue una voz y una guitarra. una banda que sacudía la modorra provincial de la ciudad de Oaxaca en los años ochenta, cuando aún no existían los cafés hipsters y casi ninguna galería. Desde la antena de Radio Universidad los adolescentes vibrábamos con las canciones de esa banda llamada "Arpía" ¿o era el disco el que se llamaba así?.

Ese fue mi primer contacto con la guitarra de José Luis Domínguez.

Quién me hubiera dicho a mi que muchos años después yo estaría tocando a su lado, en esa banda tan intensa que fue, que ha sido y será Nine Rain. Creo que me cayo el veinte cuando ya llevaba varios conciertos con ellos y se nos presentó la oportunidad de tocar en el Teatro de la Ciudad "Esperanza Iris" de la Ciudad de México. Recuerdo que en esa ocasión hubo una sesión de fotos previa al concierto y fue ahí cuando reparé que no estaba viviendo un sueño, que en realidad estaba haciendo música al lado de Steven Brown, Nikolas Klau, Alejandro Herrera, Daniel Aspuru y por supuesto el querido José Luis, "El Don"  como lo llamaban sus alumnos del DIM, la escuela que se echó a cuestas y que sacó adelante hasta convertirla en un referente de la formación de músicos y productores en México...

Porque como dijo alguien: "Todos los caminos llevan al DIM"

Gracias a la generosidad de José Luis, en el DIM ensayamos muchos años, creando música llena de garra y fuego. Allí se grabaron las sesiones para el disco que presentaría a la nueva formación de Nine Rain: "Mexico Woke Up" Y de ahí pa'l real...

El último concierto de Nine Rain lo dimos en Rusia, en el verano del 2012. A finales de 2015 José Luis comenzó a mezclar los tracks grabados en el segundo concierto que dimos en el Teatro de la Ciudad, en noviembre de 2010. Nos juntamos de nuevo, hablamos y se volvió a prender la llama.

Pero el tiempo y la vida tenían otros planes...

Hoy despedimos a José Luis envueltos en un dolor inexplicable... no, inexplicable no; perfectamente lógico y brutal. Se ha ido una parte de nosotros; nos ha sido arrancado del cuerpo un miembro vital...

Hace unos días Steven y yo nos abrazamos, llorosos. "Es el fin de una época" dijo él, que también por esos días perdió a Bruce Geduldig, miembro de Tuxedomoon.

Queda el recuerdo y el amor. Quedan el legado y la herencia. A nosotros la responsabilidad y el honor de estar a la altura.

Viva el DIM

Viva el Don

Hasta pronto, compañero...




José Luis Domínguez haciendo arder su guitarra en el teatro del Pueblo. Zamora, Michoacán, Octubre de 2010.


Sesión de fotos en el Teatro de la Ciudad "Esperanza Iris" Octubre de 2006


miércoles, 16 de marzo de 2016

MEDIO SIGLO DE JAZZ


Conocí a Salvador Merchand tocando la batería en el trío del contrabajista Roberto Aymes, al lado del fino pianista Luis Zepeda. Esa versión del trío de Roberto fue quizás de las más fructíferas por su festivo carácter, su incombustible capacidad de improvisación y su sonido, límpido y con mucho swing.

Ese Swing lo aportaba Salvador Merchand con pulso firme, y así ha sido durante 50 años de trayectoria artística, viviendo innumerables experiencias al lado de la plana mayor de los artistas mexicanos del jazz y la música popular.

Parte de esa historia se resume en el disco doble titulado "Privilegio", donde Salvador Merchand colabora con muchos de sus compañeros para brindarnos su personal agradecimiento a la vida que le ha llevado a ser uno de los grandes protagonistas de la escena musical de nuestro país.










De izquierda a derecha: Servando Rascón, José Luis Domínguez, Julio García, Oxama, Salvador Merchand, Miguel Peña, Óscar González y Daniel Aspuru. Al frente Jako González Grau. Presencia de México en Rusia, junio de 2012.

viernes, 11 de marzo de 2016

O BERIMBAU...


...y de pronto, allí, enmedio de las intrincadas armonías del jazz, flotando con sonidos exuberantes o aterrizando la música con ritmos hipnóticos, fueron apareciendo los percusionistas cargando su enorme bagaje cultural, su alegría desbordante, su capacidad de juego y de sorpresa. Y así, de una manera fluida y natural la percusión se volvió parte de la historia.

Hoy vamos a recordar a uno de los pioneros; un hombre que supo hermanar como pocos su tradición ancestral con la tradición contemporánea del jazz. Hoy que nos deja acuden al recuerdo sus ex compañeros y todos ellos lo hacen ponderando la gran calidad humana por sobretodo, pero también el genio y la inventiva de un personaje irrepetible.

Se ha ido Naná Vasconcelos, pero su Berimbau seguirá sonando por los siglos de los siglos. 





martes, 8 de marzo de 2016

HABLANDO EN JAZZ


Una de las agrupaciones más jóvenes en el ámbito del jazz nacional es el Blah blah Trio, conformado por tres estudiantes de la Licenciatura en Jazz de la Universidad Veracruzana, el ya famoso JazzUV. Atreviéndose a lanzarse a las procelosas aguas de la improvisación como un trío sin instrumento armónico, el saxofón de Santiago Von, el contrabajo de Erick Quijivix y la batería de Abraham Díaz construyen un lenguaje muy particular donde el trabajo creativo se multiplica para sostener la estructura de los temas sin despeñarse en el vacío.

Sin disco en el mercado, pero con varios kilómetros de vuelo y fogueándose en los escenarios del jazz mexicano, como es el caso del afamado Zinco Jazz Club de la Ciudad de México, estos jóvenes están construyendo su propia historia, y la actuación que les presentamos hoy es una buena prueba de ello.

Que lo disfruten.






jueves, 3 de marzo de 2016

UN LAGO EN LA NOCHE


Hago una breve pausa para disfrutar del silencio...
Cuando logro acallar mis voces interiores puedo escuchar la música que viene de lo oscuro,
sonidos de un sosegado rumor que acarician el alma...




viernes, 26 de febrero de 2016

LA NATURALEZA TIENE UN PLAN QUE NO ES EL TUYO


Descubrir al pianista y compositor armenio Tigran Hamasyan ha sido uno de los puntos altos en el arranque de este año. De entre todos los músicos de su generación destaca por su muy particular acercamiento al instrumento, en el que vuelca tanto sus raíces tradicionales y familiares como sus inquietudes por temas sociales, ambientales y espirituales.

En el disco que hoy les presentamos la reflexión es bastante profunda y se refleja desde el título del álbum. Musicalmente la base del grupo es el trio conformado por Tigran al piano, la voz y distintos teclados y sintetizadores, mas Sam Minnie en el bajo eléctrico y Arthur Hnatek en la batería y electrónica en vivo. Se suman al proyecto algunos invitados que completan la paleta sonora de un disco casi perfecto en su concepción.

Para completar la información respecto a lo que hay detrás de este proyecto y de su creador, les voy a compartir un artículo aparecido en un portal dedicado a la población armenia en el exilio y que es www.100lives.com. 





Peregrinación con la música clásica a la Patria de los ancestros
El músico y compositor Tigran Hamasyan anhela que su interpretación de la música litúrgica suene en la Patria de sus ancestros, en la iglesia se los Santos Apóstoles, en Kars.
Los bisabuelos de Tigran eran originarios de Kars: su bisabuelo Aleksan Hayrapetyan era del pueblo Bashkadiklar y su bisabuela Hripsimé (Horomsim) Aleksanyan nació en el pueblo Pilvari. El Archivo Nacional de Armenia guarda el registro que data del año 1902, de la parroquia del pueblo Bashkadiklar de Kars, el certificado de matrimonio entre Aleksan de 21 y Hripsimé de 19 años y el 1 de enero de 1907 el nacimiento de su primogénito.

El registro de la parroquia del pueblo Bashkadiklar de Kars del año 1907 en el que está  registrado el nacimiento del  primogenito de Aleksan y Hripsime, Tsolak Hayrapetyan.
Fuente: el archivo nacional de Armenia

Durante las masacres, los turcos asesinaron a Aleksan y Hripsimé quedó sola con sus tres hijos. No se sabe cómo, pero entre los años 1917-1918 Hripsimé consiguió escapar de Kars hacia Alexandropl (actualmente ciudad de Gyumrí) llevando consigo, también, a los hijos de su hermano y también de su cuñado, quienes habían quedado huérfanos.
“Nunca contó los detalles, sólo cantaba y lloraba. Me acuerdo de un solo fragmento: decía que en el camino los niños pasaban hambre y ella tenía que andar por encima de los cadáveres en busca de algo de comida”, recuerda la abuela de Tigran, Melania, hija de Tsolak Hayrapetyan.
Hripsimé, de 35 años, no pudo mantener a los 8 niños y dejó en el orfanato de Gyumrí a Salath, su hija menor. Ella falleció al poco tiempo. “Me pregunto cómo pudo dejar a su propia hija en el orfanato y criar a los huérfanos de su hermano y a los de su cuñado. El corazón lo tenía en luto y siempre llevaba ropa negra. Más tarde, uno de sus hijos fue a la guerra y no volvió. Además, después de la muerte de mi madre fue mi abuela quien crió a mi hermano menor”, reflexiona la abuela de Tigran, Melania.
La sobreviviente del Genocidio Hripsime Aleksanyan, con su nieto Rafik
Archivo de la familia Hamasyan
La otra bisabuela de Tigran Hamasyan, Angela Oltetsyan, también era de Kars. Durante el genocidio, asesinaron, delante de sus ojos, a toda su familia. Sólo se salvaron ella y dos de sus hermanas. “Mi suegra, junto con sus dos hermanas, aparecieron en el orfanato del Polígono de Alexandropol (perteneciente a una organización norteamericana). A sus dos hermanas las trasladaron a los Estados Unidos. Más tarde, a ella la adoptó su tío, dándole su apellido: Bisharyan”, cuenta Melania.
La sobreviviente del Genocidio, Ángela Hamasyan, con su esposo y sus hijos
Archivo de la familia Hamasyan
Si bien las hermanas Oltetsyan habían intentado reunirse con Ángela, no pudieron concretar el reencuentro.
Tigran Hamasyan no sabe mucho sobre la historia de sus antepasados sobrevivientes del Genocidio, pero los siente muy cerca; “Mi abuela cuenta que mi bisabuela Hripsimé cuando se quedaba sola cantaba la canción ‘Krunk’ y lloraba. Durante toda su vida jamás se quitó el pañuelo negro. Y mi bisabuela Ángela nunca llegó a saber que sus hermanas la habían buscado”.
El disco recientemente editado de Tigran, “Tsaghrarmat”, se distingue de sus otros álbumes. En este predomina su historia: “Lila” es la lila del patio de la casa de la infancia de Tigran. La obra “Canto a Melania y Rafik” está dedicada a sus abuelos, la obra “Kars”, a las heridas milenarias (“Kars 2”).
“He intentado mirarme,  conocerme,  encontrar mis raíces. Tenemos que estar junto a la naturaleza, tratar de conocernos a nosotros, nuestra esencia. La naturaleza siempre supera los complejos humanos. Este álbum parece ser  una nostalgia humana, nostalgia de lo espiritual, del amor, de las raíces. Contiene en sí como un sacrificio, un sacrificio para inspirar lo humano”, dice el maestro de  improvisaciones folklóricas Tigran Hamasyan, de 28 años.

LUZ POR LA LUZ


Tigran Hamasyan y el Coro de la Cámara Estatal de Ereván, dirigido por Harutyun Topikyan, emprendieron un proyecto dedicado al Centenario del Genocidio.
Luz por la luz” prevé realizar 100 conciertos con ese nombre, cuya primera presentación fue el 24 de marzo en Ereván. En el concierto se  presenta una nueva interpretación de la música litúrgica armenia de los siglos V-XIX. Este ciclo de conciertos incluye la peregrinación de Ereván a Estambul, con conciertos en Djavakhk, Tiflis, Gandza, Kars, Estambul.
Tigran Hamasyan
© PAN Photo / Vahan Stepanyan
“Me gustaría mucho que nuestro canto litúrgico sonara en la iglesia de los Santos Apóstoles en Kars”, sin embargo, esto es imposible porque la iglesia se ha convertido en una mezquita. Vamos a tener un concierto en Kars pero no en la iglesia”,  dice Tigran. Él tiene la esperanza de que, algún día, se concrete su sueño.
*Foto principal: Tigran Hamasyan con su abuela Melania
© PAN Photo / Vahan Stepanyan



lunes, 22 de febrero de 2016

EUGENIO TOUSSAINT 4 - CONVERSACIONES Y COMPOSICIONES


Cerramos el ciclo de cuatro programas dedicados a Eugenio Toussaint con la escucha de dos trabajos musicales diferentes en la forma pero que dibujan al compositor de cuerpo entero. En primer término disfrutaremos de algunas piezas del disco "E pez dorado" en el que Eugenio conversa consigo mismo a dos pianos y nos muestra su lado mas intimista y familiar. En segunda instancia escucharemos el estreno en radio del Concierto para clarinete y orquesta, obra que fue interpretada por la Orquesta Sinfónica de Oaxaca el diciembre de 2015. Este concierto es la última obra registrada en el catálogo de Eugenio. Unos pocos meses después de su estreno el maestro mexicano se suicidaría en su casa de la Ciudad de México.

Para rubricar la escucha de este programa les dejamos un texto escrito por Juan Arturo Brennan, musicólogo y amigo personal de Eugenio. Este texto se publicó originalmente en el diario La Jornada el día 12 de febrero de 2011.



EUGENIO TOUSSAINT, IN MEMORIAM

Juan Arturo Brennan.

Eugenio Toussaint (1954-2011) fue un músico de amplios y vastos horizontes. Pianista, compositor, arreglista, fundador, guía y miembro de ensambles diversos, promotor de colaboraciones internacionales y de complicidades musicales que venturosamente rompieron las tenues y artificiosas fronteras entre formas, géneros y estilos. Sus contribuciones a la historia del jazz mexicano son incuestionables y están firmemente establecidas. Sus aportes a nuestra música de concierto no lo son menos.


Sobre todo en los años recientes de su larga y productiva carrera, luchó denodadamente, y en especial a base de mucho trabajo creativo, contra los numerosos intentos que se hicieron para encasillarlo como una especie de músico híbrido. Es cierto, sí, naturalmente, que sus partituras de música de concierto están habitadas por una dosis notable de jazz y otras expresiones análogas. Pero Eugenio quiso ser conocido y reconocido sencillamente como compositor, sin etiquetas paliativas. Cuando este jazzista de enorme talento comenzó a escribir música de concierto en la que aludía a formas, géneros y estructuras surgidas del mundo académico, no faltaron los puristas escandalizados que protestaron airadamente por una supuesta invasión de su sacrosanto territorio. No faltaron tampoco los espíritus mezquinos que supusieron poder expulsarlo del mundo del jazz bajo la peregrina y vaga idea de una traición a sus principios, como no faltaron los que quisieron negarle su lugar, ganado a pulso, en el mundo de la música de concierto. Sus composiciones en este rubro están llenas de fascinantes acertijos rítmicos, armonías complejas pero no crípticas, y combinaciones tímbricas inesperadas que podían provenir alternativamente de su conocimiento y respeto por Silvestre Revueltas, Miles Davis o Weather Report. La combinación de todo ello, y de su talento natural, dio como resultado una serie de partituras llenas de concentrada energía, de inexorables pulsos motores y de un atractivo sonoro singular que, a despecho de sus detractores, supo convocar y atraer a públicos numerosos de diversa índole. Baste citar como prueba los éxitos cosechados en los años recientes por Eugenio Toussaint en sus interpretaciones como solista de su Concierto para piano improvisado y orquesta.


Eugenio fue, además, un hombre leal y generoso con su gente, y de ello puedo dar testimonio personal. En mis numerosos y gratos encuentros con él, nunca escatimó tiempo ni palabras para tratar de hacerme entender la esencia del bebop, la función estructural de la armonía por cuartas o el lugar exacto de una blue note en un trazo melódico, así como las ventajas relativas de utilizar la sordina Harmon en una trompeta, con o sin espiga. Al calor de numerosas copas de vino tinto (elegido siempre, claro, por el enólogo experto que fue Eugenio) y quizá sin saberlo, me enseñó mucho de música y de músicos, con generosidad irreductible.



Conservo numerosos recuerdos sonoros de Eugenio el músico. Pero conservo muchos más recuerdos personales de Eugenio el amigo. Extrañaré sus estrenos, extrañaré sus tocadas, extrañaré las cálidas reuniones con amigos comunes en las que se hacía música, extrañaré reseñar sus grabaciones, extrañaré nuestras divertidas e instructivas conversaciones con motivo de las primeras audiciones de sus partituras de concierto. Pero extrañaré sobre todo un gesto suyo, imborrable, que lo pinta de cuerpo entero. Sentado ante el piano, tocando solo o en grupo, Eugenio solía terminar cada pieza esbozando una luminosa, lúdica y traviesa sonrisa, y marcando con un gesto casi displicente una última, solitaria nota en uno de los registros extremos del piano. Esa nota inolvidable, esa blue note entrañable me va a hacer falta, nos va a hacer falta a todos.

miércoles, 17 de febrero de 2016

EUGENIO TOUSSAINT 3 - MÚSICA DE CÁMARA


El tercer programa de la serie dedicada al maestro Eugenio Toussaint lo dedicamos a escuchar dos de sus obras escritas para ensambles de cámara. Con ello queremos mostrar una pequeña parte de su catálogo dedicado a la música de concierto contemporánea. No sin cierta reticencia de los puristas, Eugenio se fue labrando con mucho trabajo un nombre en esos ámbitos, que lo identificaban sobre todo como un muy solvente músico de jazz. La escucha de estas obras nos abre el panorama para conocer a un músico absolutamente original e hijo de su tiempo. Esperamos que los fans del Eugenio jazzista no tengan temor de entrarle a disfrutar estas obras maravillosas.











viernes, 12 de febrero de 2016

EUGENIO TOUSSAINT: DE AZTLÁN A LOS PINTORES


El azaroso camino recorrido por Sacbé en sus poco más de treinta años de vida no impidió que el grupo dejara en cada disco un testimonio de su gran creatividad. Desde el álbum homónimo editado en 1977 hasta Los Pintores, que vio la luz justo 30 años después, el sonido de la banda transitó por distintas rutas pero siempre guiados por un sentido de búsqueda muy personal.

Hoy vamos a cerrar el capítulo Sacbé del homenaje al querido Eugenio escuchando los tres últimos discos de la banda: Aztlán (1983), Dos mundos (1986) y Los Pintores (1997), para continuar en otras emisiones descubriendo esos otros caminos musicales por los que transitó Eugenio Toussaint.











martes, 9 de febrero de 2016

SPINETTA 4: LOS AMIGO


Para cerrar la serie de programas dedicados a Luis alberto Spinetta presentamos su disco póstumo, editado recién en diciembre pasado. No diré más... mejor veamos la magia y escuchemos...





EUGENIO TOUSSAINT - THE SACBÉ YEARS 1


Hoy iniciamos una serie de cuatro programas dedicados a celebrar la vida y la obra del pianista y compositor mexicano Eugenio Toussaint, fallecido el 8 de febrero de 2011. Las dos primeras emisiones estarán dedicadas a redescubrir la obra realizada por Eugenio en el grupo Sacbé, cofundado por sus hermanos Enrique y Fernando mas el añadido de músicos invitados de la talla de Alejandro Campos, John Crosse, Paul McCandless, Luis Conte y Armando Montiel.

Así pues el primer programa lo dedicamos a revisar las tres primeras grabaciones del grupo: Sacbé (1977), Selva tucanera (1978) y Street Corner (1982). Esperamos que disfruten el viaje.








domingo, 7 de febrero de 2016

SPINETTA: EL ENEMIGO


Hay una grabación de un concierto que Luis Alberto Spinetta dio en 1977 a trío, con Diego Rapopport en teclados y Alberto "Machi" Rufino en bajo. El flaco estaba cambiando estéticamente, virando hacia el jazz. En ese concierto Luis expresó su deseo de que ese concierto -y por consiguiente esa etapa de su carrera- abriera nuevas pautas en la música que en ese momento se hacía en Argentina; y se refiere también al jazz como "un viejo enemigo que ahora es un aliado mío, un gran amigo"

Tal fue la impronta que el jazz y sus lenguajes dejó en Luis Alberto, y que luego se reflejaría en la obra de la llamada "Banda Spinetta" y de manera más profunda en el trabajo de su siguiente grupo, Spinetta Jade.

Hoy vamos a escuchar el homenaje que el jazz le rinde a la música del flaco, en la obra de dos músicos jóvenes de la Argentina, el saxofonista Rodrigo Domínguez con su disco "Soy Sauce" y el pianista Guillermo Di Pietro con el álbum "Variaciones sobre Spinetta".







lunes, 1 de febrero de 2016

SPINETTA ENTRE AMIGOS


Viviendo en Oaxaca nunca ha sido fácil para mi hablar de mi pasión y mi cercanía con la obra de Luis Alberto Spinetta. Gente cercana a mi me ha escuchado por años ponderar la obra del flaco; algunos de ellos lo han hecho incluso echando mano de infinita paciencia; otros han recibido discos y grabaciones con compilaciones de la obra del flaco. Algunos las han escuchado y sospecho que algunos no. En todo caso hablar de Spinetta para mi siempre ha sido una forma de mostrarle a la gente cercana mi cariño. Uno comparte del amor con el amor.

pero sin duda con quien siempre encontré un puente para expresar mi furor por la obra de Luis ha sido Eduardo Farrés, colega y cómplice de aventuras musicales; por años Eduardo y yo charlamos del flaco sin agotar jamás los tópicos, así que para mi es natural convocarlo al programa y continuar estas charlas al aire.

El programa de hoy captura esos momentos. A mis otros amigos les digo que espero disfruten el programa y de una buena vez le den una oportunidad a Spinetta y su obra.




miércoles, 27 de enero de 2016

SPINETTA 1 - CIELO EN BLANCO, ENORME, LEJÍSIMO...





Corría 1988. El país estaba convulsionado y el gobierno de Raúl Alfonsín se caía a pedazos. Había levantamientos militares y un clima de mucha tensión en las calles. 1988, año en que moría Alberto Olmedo y Ernesto Sabato recibía el Premio Cervantes. Soda Stereo llenaba de música las radios latinoamericanas con 'Doble Vida' mientras que el Dictador Pinochet era derrotado en un plebiscito y dejaba, finalmente, el gobierno de Chile. Por esos años Luis Alberto Spinetta editaba uno de sus discos más bellos, el clásico 'Tester de Violencia', ¿Pero por qué un disco llamado 'Tester de violencia'?. Cuentan que una noche en La Falda tocaban Spinetta, Páez y García y debieron improvisar un escenario tras un alambrado para que no los golpeen los proyectiles que arrojaba la gente. Ahí, en una situación límite, a Spinetta se le ocurrió éste título, como si él mismo fuera una usina generadora de sensaciones hecha para testera la violencia.

El cuerpo como un laboratorio, el disco como una expresión de inmortalidad, las canciones como perfectas formas de testear la violencia (desde el arte).

La tapa del disco tiene un collage que envuelve un rojo (repleto de significados para Spinetta) y dentro se encuentra la cabeza entregada y cercenada de Luis, todo esto simboliza la "conceptualidad" de este trabajo, basado mayoritariamente en la obra de Foucault. Michel Foucault es uno de los filósofos más emblemáticos del postmodernismo, una corriente que niega la existencia o validez de los absolutos. Además de filósofo Foucault fue sociólogo, historiador, psicólogo y político, cuya obra profundizó acerca del concepto de locura y lo absurdo del pensamiento postmoderno.

"Alguien dijo una vez que la única diferencia que existe entre las personas que están dentro de las instituciones mentales y aquellos de nosotros que estamos fuera… es que nosotros somos la mayoría. Si ellos fueran la mayoría nosotros estaríamos dentro", reflexiona  el pastor Sugel Michelén. Para el filósofo y psicólogo francés Michel Foucault (1926-1984), sin duda alguna uno de los pensadores post modernos más influyentes del siglo XX, esto no era chiste, sino una teoría sociológica. Según él, son los que tienen el poder quiénes definen lo que es normal y lo que no lo es.

Cualquier sociedad puede definir la locura de tal manera que ciertas personas caigan en esa categoría y sean aisladas. Pero el poder no sólo determina la normalidad y la locura, sino también el conocimiento. Muchas veces se ha dicho que el conocimiento produce poder; pero Foucault le da vuelta a la mesa y afirma que de la misma manera el poder produce “conocimiento”. De modo que los que tienen el poder son los que determinan lo que es normal, lo que es justo y lo que es verdad. Según Foucault, éstos no son conceptos preexistentes que nosotros debemos descubrir, sino más bien algo que nosotros producimos y que los poderosos definen para mantener el control.


Una vez más, Spinetta mostrará su particular traducción artística de sus influencias filosóficas literarias del momento. El foco de inspiración estará centrado ahora en la figura de Foucault y la profunda comunión entre el artista y la obra cumbre del pensador: Vigilar y Castigar. Las lecturas del período reflexivo más desesperanzador de Foucault respecto al poder, atravesado por la crisis económica y política de la Argentina de fin de década, harán de Téster de violencia, una obra con características particulares que atravisean las canciones del disco. Spinetta contó que la temática de las mismas se alimentan en las visiones no eurocéntricas que le inspiraba Carlos Castaneda, una influencia constante en su música desde que lo descubrió a comienzos de la década de 1980.


Fragmento de un texto publicado en el sitio web www.rockeros-blog.blogspot.mx 







sábado, 23 de enero de 2016

BOWIE Y EL DOWNTOWN DE NUEVA YORK - ENTRECRUZAMIENTOS 2


Continuando con la conexión entre la escena neoyorkina del jazz actual y la obra final de David Bowie, "Blackstar", vamos a escuchar ahora el disco "Family First" del joven baterista norteamericano Mark Guiliana. Este álbum explora todas las posibilidades de un cuarteto acústico -Saxofón, piano, contrabajo y batería- y lo hace a través de sus en apariencia sencillas composiciones, pero que tienen un corazón intrincado; todo ello pensado específicamente en los miembros del cuarteto, amigos y compañeros de ruta todos ellos.

Al final escucharemos el trabajo de Mark en el celebrado disco que rubrica el corpus musical de David Bowie.












martes, 19 de enero de 2016

ENTRECRUZAMIENTOS 1


A estas alturas ya todo el mundo sabe que Blackstar, el disco final del gran David Bowie, fue grabado con lo más granado de la escena del jazz de Nueva York: Donny McCaslin, Ben Monder, Jason Lindner y Tim Lefebvre, más el apoyo en composición de Maria Schneider. Pero poca gente conoce en realidad el sólido trabajo de cada uno de estos músicos.

Coincidiendo con nuestra serie sobre el nuevo jazz neoyorkino, hoy les presentamos el disco Fast Future, del saxofonista y compositor Donny McCaslin; y quizás no es aventurado pensar que esta música haya sido el detonante para las sesiones que dieron origen a Blackstar. La fascinante mezcla de jazz con electrónica y una actitud bastante rocker en el mood general del disco resulta muy atrayente. Quizás Bowie, azuzado por la Schneider escuchó en el Iriddium -famoso club de jazz de la ciudad- un concierto con la música de Fast Future, que fue grabado prácticamente con la misma banda, y ahí comenzó  a bullir en su cabeza el germen de lo que hoy es su epitafio musical.

Así que, les invito a que descubran -los que no lo conozcan- a otro de los protagonistas del jazz de Nueva York, quien ya tiene asegurado un lugar en la historia del jazz por su impecable trayectoria, y en la historia de la música por haber coincidido en tiempo y espacio con el adiós musical de David Bowie.








 David Bowie junto al saxofonista Donny McCaslin en el centro y el trombonista Ryan Keberle en el estudio.